究竟注重对乐谱的还原度还是注重情感?

我一直很认同一句话:一千个人有一千种“肖邦”,但首先它必须先是“肖邦”。

乐谱

表达一首乐曲,首先是表达作曲者的意图,然后是时代背景特色,最后是补充个人理解形成独特风格。(可以理解成你可以在固定的空域自由飞翔…) 换句比较家长语气的话,你要先学会走,再学会跑。

我们一开始学曲子,习惯先听别人弹的,老师演奏、网上名家等等。 但我比较建议的后期学习过程是: 拿到一首曲子,先认真读谱,不要放过每一个有标记的变化(节奏、强弱、临时升降和音符的保持之类的)。先保证把它们都做出来。

然后去了解作者以及写作背景(这个其实不难,最简单粗暴的就是找谷歌度娘…)。你看四月,那么就拿肖邦打个比方,冬风练习曲,这也是一首华沙起义失败后的作品,那么家仇国难像冬季风一样刮过心头,要如何表现呢?是像春风拂面?还是西北风刀子一样每一道都刻出印记?音色缠绵悱恻?还是隐忍而连贯的颗粒感分明?这就是你要思考的问题。

这个时候乐曲基本熟悉了,旋律线也差不多找到了。即便你在初期读谱的时候没有掌握旋律,经过练习也至少能够分辨主旋律了。把你看到的、想到的,用手表现出来。一首乐曲的初期练习就完成了。

好了,现在要做什么呢?现在我们可以去听这首乐曲的各种版本了。快的、慢的、照谱面完全体现的、自由飞翔的…找出你最喜欢的版本,然后开始思考为什么它比其他的版本更吸引你?你喜欢它什么?它和你演绎的版本有哪些地方不一样?

找到你的答案,把你的演奏二次加工。这一阶段可以加入正经八百的乐曲分析,和声结构走势…【当然了,如果没有人要求,我并不喜欢做这一步,因为我和声比较差,知道效果但要说对这是个什么需要算很久…嗯…就酱…跳过吧…】

是不是到这里一首曲子就彻底OK了?当然不是,它只是已经从“作曲家的曲子”变成为“你的曲子”了而已。在经过反复琢磨之后,我们也可以把它放一段时间,当你回头再看这首曲子,你又会有很多新的理解。 当然,这个步骤和你考级没有一分钱关系…我们可以暂时不要理会它…

唔…到这里应该算是解答吧…

这是一个循序渐进的过程,一开始可能会比较难,完全做到谱面要求有的时候并不容易。我们经常会忽略掉某些音的修饰,造成了旋律线忽然断气的错觉…

这个过程可以自己进行,当然,有老师指点的话事半功倍。

回到问题的一开始。为什么不让你一开始就完全按照自己的意图去做音乐的感情色彩而是先做谱面呢?重新看我开头的第一句话。我想,你已经知道为什么了。